DGB Atelier

SCÈNE 30. PRISE 02.

Certains moments ne se photographient pas comme des événements.
Ils se construisent comme des scènes.

Pour le concert de Bon Entendeur à Circuit de l'Anneau du Rhin, j’ai voulu sortir du reportage musical.
Traiter la scène comme un décor.

La lumière comme une direction artistique.
Les silhouettes comme des personnages.
Le mouvement comme une narration.

Rien n’était écrit.
Rien n’était rejouable.

Il fallait attendre cette fraction de seconde où la lumière, le geste et l’atmosphère s’alignent.

Je suis à la poursuite de ce fragment précis où la performance devient une scène.
Où une scène devient une image.
Et où une image devient un souvenir.

SCÈNE 30. PRISE 01.

Trente ans d’asphalte, d’adrénaline et de tout ce qui existe entre les deux.
Des voitures de Grand Prix d’avant-guerre aux machines modernes qui semblent repousser les limites de la physique.

Des philosophies différentes. Des technologies différentes.
Des générations différentes.

Mais une même obsession : aller plus vite.

Et c’est précisément ce contraste que je voulais raconter.

Ne pas simplement photographier des voitures, mais capturer ce qui les relie à travers le temps : la vitesse, la mécanique, la tension, le mouvement.

Traiter le paddock comme un décor.
La piste comme une scène.
Et chaque passage comme une séquence.

Chercher le moment où la machine, la lumière et le mouvement s’alignent.

Pas seulement photographier la vitesse.
En donner une lecture cinématographique.

Merci Circuit de l'Anneau du Rhin pour votre confiance !

Ce soir-là, Sankofa n'a pas eu droit à un reportage.
Elle a eu droit à un film.

Le brief était clair : oublier l'image événementielle classique. Créer une signature cinéma. Cette chaleur du Kodak Portra, le grain, les tons chair dorés, cette texture qui transforme chaque image en plan de pellicule 35mm.

J'ai traité la lumière comme un réalisateur traite un plan.
La fumée qui capte les faisceaux bleus comme des projecteurs de cinéma.
Le grain qui sculpte chaque contour sans jamais éteindre l'énergie.
Les tons chauds d'une bobine retrouvée, des années plus t**d.

On ne documente pas une soirée.
On la transforme en souvenir cinématographique avant même qu'elle ne devienne un souvenir.

Chaque événement a une identité. Il mérite une signature qui la sert pas un filtre appliqué par défaut.

C'est ce que je construis, à chaque projet : une esthétique pensée pour raconter votre histoire, et aucune autre.

Merci à Sankofa pour cette confiance et cette liberté créative.

Je ne shoote pas un produit. Je tourne une scène.

Une main qui se referme sur une boîte de caviar, sous une lumière violette qui donne du caractère à l'image.�Un trait de sirop qui coule, goutte après goutte, sur une gaufre encore tiède.�Des huîtres ouvertes, une fleur posée dessus comme un dernier geste avant le service.

Ce ne sont pas des photos de produits. Ce sont des plans.

Chaque shoot food, je le pense comme une scène : une lumière qui vient sculpter la matière, un geste que je fige au bon moment, un cadrage que je resserre juste ce qu'il faut pour que l'œil reste accroché plus d'une seconde.

J'aime ce lien entre le cinéma et la photographie, cette idée qu'un instant figé peut quand même raconter un mouvement, une tension, une histoire.

Le produit n'est qu'un prétexte.
Ce qui fait l'image, c'est ce que j'en révèle, la texture, le mouvement, l'instant que je choisis de suspendre.

Un produit photographié à plat, sous une lumière plate, reste un produit.
Le même produit, tenu dans une main, éclairé comme un plan de film, devient une image qu’on regarde deux fois.

C'est là que se joue la vraie valeur ajoutée d'une photo : pas dans ce que je montre, mais dans la façon dont je le raconte.

La photo d’intérieur classique, tout le monde la connaît.

Un grand angle.
Une pièce vide, parfaitement rangée.
Une symétrie impeccable, pensée pour rassurer.

Ce n’est pas ce que je cherche à faire.

Je préfère glisser mon objectif derrière un dossier de chaise, entre deux verres à vin, sous une arche de pierre ou dans l’ombre d’un canapé.

Créer l’impression que vous êtes déjà dans la pièce, en train de la découvrir, plutôt que de la regarder depuis la porte.

Un mur d’alvéoles en bois qui se dévoile progressivement.
Une banquette qui serpente jusqu’à se perdre dans la lumière.
Une statue qui semble veiller sur la salle, entre deux poutres anciennes.
Un portrait qui capte le regard, presque par surprise, au détour d’un canapé.

Ces détails-là, une photographie classique ne les montre pas.
Elle les aplatit.

Un lieu ne se résume pas à ses quatre murs.
Il se raconte à travers ce que l’on choisit de montrer.
Et surtout, ce que l’on choisit de laisser deviner.

Un défilé ne se photographie pas. Il se lit. Il s’anticipe.

Lire le mouvement. Attendre la lumière. Trouver l’instant.
Parce qu’une fraction de seconde peut raconter tout un événement.

Je ne cherche pas à documenter ce qui se passe.
Je cherche ce moment précis où tout s’aligne.

Le mouvement. La lumière. L’émotion.
Une image. Un instant. Un fragment de temps.
Merci à Ville de Colmar pour sa confiance.

Certaines nuits n’ont pas besoin de mots. Elles ont besoin d’être capturées.

La Nuit Blanche à Colmar. Le Parc des Expositions transformé.
Des lumières qui imposent leur propre tempo. Une foule qui vibre. Une énergie qui ne demande qu’à exploser.

Je n’étais pas là pour prendre des photos. J’étais là pour capturer un pouls.

Chaque éclat de lumière. Chaque visage suspendu dans l’instant.
Chaque seconde où la foule, la musique et la lumière ne font plus qu’un.

Parce que capturer une ambiance, ce n’est pas être au bon endroit au bon moment.
C’est savoir où regarder. Savoir quand déclencher.
Anticiper l’instant avant même qu’il n’arrive.

Je ne cherche pas à documenter un événement.
Je cherche à capturer un instant. Un fragment de temps.

Celui où tout s’aligne pendant une fraction de seconde.
La lumière. Le mouvement. L’énergie.

C’est là que je veux être.
Et c’est là que je déclenche.

Une nuit.
Mille instants.

Demain soir, première couverture presse pour raconter la Nuit Blanche de la FAV 2026.

Rendez-vous sous les lumières. 📷✨

On ne commande pas un cocktail parce qu'il a l'air bon.
On le commande parce qu'on imagine déjà ce qu'il va faire ressentir.

C'est exactement le rôle de l'image.
Le feu. La fumée. Les textures. Les contrastes.
Chaque détail est une promesse avant la première gorgée.

Je n'ai pas photographié des cocktails.
J'ai construit des désirs.

Une photo produit qui ne donne pas envie est une photo inutile.
La mienne attire. Installe un univers. Donne envie de franchir la porte.

Votre carte mérite des images qui travaillent pour vous. — Parlons-en.

Merci au Shelby pour sa confiance.

Un village. Une nuit. Des centaines de personnes qui ne savaient pas encore ce qu'elles allaient découvrir.

Balade au Clair de Lune à La Clusaz, ce n'est pas un événement que l'on documente.

C'est une expérience que l'on doit réussir à transmettre.
Des artistes qui prennent possession des rues.
Des rencontres inattendues au détour d'une place.
Des lumières qui transforment un village que l'on pensait pourtant connaître.

Créer des images fortes ne consiste pas seulement à être présent.
Il faut chercher un regard différent.

Parce qu'un événement territorial réussi mérite plus qu'un simple reportage.

Il mérite des visuels qui racontent son histoire, valorisent son identité et donnent envie d'y participer lors de la prochaine édition.

Merci à la Ville de La Clusaz pour sa confiance.